ROCK Y EDUCACION

ROCK OSCURO DE LOS AÑOS 60's Y 70's: Selección de Discos

2008-11-09T10:41:00.000-08:00

Por fin. Después de casi tres meses sin escribir nada, he resuelto finalmente postear algo sobre lo cual había venido indagando y que me atraía particularmente la atención. Todo comenzó cuando me encontré con un disco de una banda de Estados Unidos llamada COVEN, que presenta en portada y contraportada imágenes de unos criaturos realizando un ritual sobre una mesa con una mujer desnuda, los miembros de lo que parece una secta levantando las manos haciendo la señal de los cuernos, cruces hacia abajo en la escena y demás parafernalia que manifiesta la realización de una misa negra. Nada diferente a lo que podríamos esperar de algún disco publicado en la explosión del black y death metal de los 80's y 90's. Sin embargo, para gran sorpresa mia, este álbum de culto que incluye en su ultimo track una repreducción de una misa satánica fue publicado 1969, y de inmediato recordé la entrevista que Sam Dunn (realizador de la película "El viaje de un metalero") le realiza a Ronnie James Dio, donde el reafirma que fue el inventor de los famosos cachos con los dedos, símbolo del mal en la época que tocaba con Black Sabbath, y que ahora cualquier rockero la utiliza para manifestar su simpatía por el rock. Es más, al igual que la mayoría de los rockeros comunes y silvestres con una que otra leidita de historias del rock, al imaginarme una banda siniestra y oscura de principios de los 70's sólamente se me venía una a la cabeza: Black Sabbath. Legendaria por supuesto pero no fue la única, ni siquiera la primera, que incluyó referencias de satanismo y ocultismo en sus letras, su indumentaria y en general su creación artística. Así pues, comencé a indagar sobre ese caracter particular que revistió algunos trabajos de finales de los años 60 y principios de los 70. No me sorprendió demasiado que la mayoría de éstos estuvieran asociados a la música que predominaba en este período: rock psicodélico, rock cargado de sonidos progresivos con teclados como protagonistas y por supuesto el Hard Rock, mezclándoce muchas veces con los dos anteriores y que sería el encargado de irse endureciendo de tal manera que mutaría en heavy metal y posteriormente en el metal extremo que despuntó en los años 80, ahora sí decididamente oscuro y reconocido a escala mayor como siniestro y maléfico.

Esta es una selección, y como tal, es arbitraria. No intentamos mostrar una línea cronológica de los trabajos que han incluído temas o elementos de ocultismo o satanismo en sus líricas, puesta en escena o arte de los discos. Tampoco intentamos asegurar que estos son los más importantes o los únicos trabajos que incluyeron las temáticas señaladas. El objetivo fundamental es poner a circular la idea de un rock sesentero y setentero multifacético, que buscó dentro de sus caminos de exploración el acercamiento con corrientes ideológicas, filosóficas y religiosas cercanas a iglesias satanistas que recién se constituían y propagaban por los Estados Unidos y Europa (La Vey como figura central dentro de este movimiento), ideas del hombre como centro de atención de las acciones terrenales, donde el placer jugaba un papel central y el rock era el vehículo para consumar el ritual de la carne; y porque no también el sentido de lo oscuro, maléfico y siniestro como estética que daba personalidad a las bandas y que comercialmente podía funcionar para atraer la atención tanto de sellos como de público sediento de cosas nuevas.

Arrancaremos entonces con la banda y el disco que me hicieron comenzar esta pequeña búsqueda que ahora comparto con ustedes. Los discos están disponibles para descargar y escucharse.

COVEN: Witchcraft Destroys Minds and Reaps Souls (1969)

Aparte de la célebre leyenda de Robert Johnson, muerto a los 27 años y conocido como "El rey del Deltha Blues" y su canción "Esa Vieja Magia Negra", satanismo y ocultismo nunca habían sido tratados por músicos populares. Los Rolling Stones suelen ser citados como una banda satánica (al menos a finales de los años 60), pero sus Majetades Satánicas no incluyeron temas malignos en sus canciones y, a pesar de la amenaza del título, "Simpatía por el Demonio" tenía menos que ver con satanismo que con la novela clásica de Mikhail Bulgakov sobre satanás y religión "El Maestro y la Margarita".

Paralelamente, Coven se forma a finales de los años 60 en Chicago, Illinois. Miesntras estudiaba en el North Central High School en Indiana, la futura cantante Jinx Dawson había comenzado a cantar opera y profundizar en literatura sobre el ocultismo. Al darse cuenta de su capacidad para el canto, se involucra paulatinamente en la escena rockera de esta ciudad, conformando con algunos compañeros bandas que actuaban a nivel local. Después de la escuela secundaria y de asistir a la universidad, Jinx abandona Indianápolis y se dirige a Chicago con dos de sus compañeros, Steve Ross y Oz Osborne (nada que ver con el Ozzy que conocemos) para formar Coven. El nombre de la banda, obviamente, tuvo sus orígenes en la superstición de la brujería medieval. Un Coven de 13 brujas era una parodia del pacto de Cristo con sus doce discípulos. En inglés, Coven es una palabra que equivale a aquelarre, es decir la reunión de doce personas más un sumo sacerdote que se reunen para realizar un ritual llamado Wicca. Así Coven, aunque no fue formado por trece miembros, describe acertadamente el contenido lírico y los intereses de los miembros de la banda, al parecer pasajeros si partimos de las palabras de Jinx "El satanismo realmente era algo en lo que estábamos interesados en estudiar en ese momento. Cuando estás jóven, te encuentras en búsqueda de respuestas, y los miembros de la banda estuvieron viendo los mismos libros al mismo tiempo. Nosotros lo estudiamos, nosotros lo practicamos, pero solo fue hasta ese momento. Nosotros no hicimos nada malo".

Musicalmente, el estilo que Coven interpretaba no se alejaba mucho de las bandas de la época, teniendo especial coincidencia con Jefferson Airplane, conexión aún más evidente con el liderazgo femenino en la voz de ambas bandas. Pero en lugar de los ideales de paz y amor que muchas bandas de finales de los 60 fueron adoptando, Coven se inclinó por líricas relacionadas con satanismo, brujería y magia negra, actuando localmente en el área de Chicago hasta atraer la atención de Mercury Records en el otoño de 1969. Se habla de un sencillo grabado antes del disco que presentamos acá, pero en comunicado de prensa, Mercury menciona el álbum anterior pero que, al ser grabado con otra etiqueta, fue dejado de lado y nunca fue publicado.

Tras firmar el contrato (que se cuenta fue firmado con sangre, indicio de la teatralidad venidera) Jinx, Oz y Steve, junto con un puñado de músicos de sesión, grabó el que probablemente sea el primer álbum de canciones puramente satánicas jamás registrado. El LP se titula "La Brujería Destruye Mentes y Cosecha Almas" y si bien el ocultismo y el satanismo están en el ojo público, con la fundación de la Iglesia de Satan de Anton La Vey y circulación de gran cantidad de libros de ocultismo (incluida la Biblia Satánica), una promoción musical de estos temas no se había intentado.

Las canciones fueron buenas, en un estilo psicodélico cargado de acid rock. De hecho, a diferencia de bandas posteriores como Black Sabbath, la música de Coven no era particularmente atmosférica y lo sorprendente del álbum era el tema en general. Aparte de las líricas, en la portada figuran Jinx, Steve y Oz con un fondo negro, los tres llevan cruces invertidas y se encuentran ubicados alrededor de un craneo. En el interior hay una mujer desnuda sobre un altar con un cáliz estratégicamente cubriendo su sexo. Bastante extraño pero no ilegal. Por cierto, la mujer no es, como popularmente se ha asumido, Jinx, ya que ésta se negó a hacerlo porque, según algunos músicos allegados, consideró que era demasiado sobrepeso (...así son las mujeres, acérrima satanista pero le da cosa salir en bola).

La primera parte del registro se compone de canciones satánicas en un rock ácido bien ejecutado, mientras que la segunda parte fue aún más audaz con una pista de 15 minutos titulada "Satanic Mass" que el grupo alegó era una grabación real de una misa satánica, afirmando igualmente que era la primera de este tipo, obviando el trabajo grabado por La Vey un año antes y que fue titulado del mismo modo. El interior del disco advirtió a los oyentes de los peligros potenciales: "Para el mejoramiento de nuestro conocimiento, esta es la primera misa negra en ser grabada, ya sea en palabras escritas o en audio. Es tan auténtica como cientos de horas de investigación en cada fuente que pueda ser conocida. No se recomienda su uso por quien no ha estudiado a fondo la magia negra y es conciente de los riesgos y peligros relacionados".

Información del disco

Pistas:

1. Black Sabbath
2. White Witch of Rose Hall
3. Coven in Charing Cross
4. For Unlawful Carnal Knowledge
5. Pact With Lucifer
6. Choke, Thirst, Die
7. Wicked Woman
8. Dignitaries of Hell
9. Portrait
10. Satanic Mass

Banda:

Jim Donlinger - Voz
Jinx Dawson - Voz
Mike "Oz" Osborne - Bajo
Steve Ross - Batería
Alan - Estes - Bajo
John Hobbs - Teclados
Christopher Nielsen - Guitarra, Voz.
Frank Smith - Teclados
Jim Nyeholt - Teclados

Descargar Witchcraft reaps souls and destroys minds.

Escucha el tema Black Sabbath:

&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;lt;br&amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;amp;gt;

BLACK WIDOW: Sacrifice (1970)

El concepto de este álbum es acerca de una mujer llamada Astaroth, quien la última vez que estuvo en la tierra, planteó ser la amante de su mago. La pobre muchacha estaba terriblemente atormentada, hasta que, impulsada por la locura, ella se entregó a su muerte.
En el año 1764, más de dos siglos después, un jóven ocultista, después de haber descubierto el poder de su mente, va hacia atrás hasta sus encarnaciones anteriores, repasa sus primeras etapas de vida en Egipto y toma referencia de Astaroth a través de un demonio, el cual fue conjurado años atrás. El va a presenciar los trágicos resultados de su experiencia en el siglo XVIII. Las canciones del álbum narran la continuación de la historia....

Mezcla de líricas místicas, satánicas y de brujería, hacen de este álbum un clásico de culto para el rock oscuro y siniestro, convirtiéndose en referencia obligada para trabajos posteriores de todo el llamado "rock oculto". Pieza progresiva se inmensa valía que en su momento tuvo que lidiar con la crítica de una sociedad fundada en valores cristianos, que no acepta nada que se encuentre fuera de lo normalizado y programado, condenando injustamente una propuesta con un nivel musical y artístico que poco le enviadiaría a las mas famosas bandas que surgieron por esta época, al punto de haber sido invitadas a participar dos veces de uno de los festivales más importantes en la historia del rock junto a Woodstook y Monterrey: el festival de la Isla de Wight.

La idea del acto de magia negra proviene del baterista Clive Box. Éste siempre estuvo lleno de ideas, al igual que Jim Gannon (guitarra) que prontamente se traducirían en las composiciones musicales de la banda. Sin embargo, aunque este concepto tuvo mucho éxito, también funcionó en contra de ellos de diversas maneras. Las estaciones de radio estaban poco dispuestas a reproducir en el aire discos que estuvieran relacionados con la magia negra (esto era en 1970), por lo que su etapa de éxito con "Come to the Sabbat" gozó de poco tiempo al aire en la radio, sumado a que todas las letras no contenian más que pura maldad, tanto en referencias de brujería , como de magia negra y ocultismo. Asímismo, Widow no ayudo exactamente a cambiar la opinión de la gente sobre ellos, al unirse con el "hombre más poderoso de Europa" en ese momento, el autoprofeso "Rey de los Brujos", Alex Sanders. Éste último fue el jefe de un culto moderno de brujas Wicca y había demostrado interés en la música de Black Widow. El les dió consejos sobre el arte de la brujería y de lo oculto. Incluso la Viuda Negra realizó un film documental con Alex, donde interpretaron en vivo "Ven al Sabbat", con un montón de brujas bailando desnudas alrededor de ellos. Lastimosamente, esta película aún no se ha recuperado.

Tocando en vivo, Black Widow contó con la ayuda de una mujer, la esposa de Alex, Maxine Sanders, para realizar su espectáculo. Ella desempeñó el papel de Lady Astaroth, terminando desnuda y teniendo sexo con el vocalista (aunque no real) y sacrificándose (tampoco realmente) en el escenario. Esto, un extravagante espectáculo místico (con ayuda de los miembros de la coreografía del Leicester's Phoenix Theater Company) y llamativos efectos como circulos mágicos en el escenario, espadas, velas, incienso y Alex diciendo las palabras indicadas para invocar demonios, atrajo tanto la atención de sectores de la prensa como también de otro grupo de personas...

La banda debía ir de gira por los Estados Unidos (junto con Black Sabbath), pero al mismo tiempo Charles Manson realizó sus asesinatos relacionados con magia negra y los encargados en ese país decidieron que no sería muy buena idea iniciar la gira en ese momento. No está claro si fue por la seguridad de Black Widow o por la mala publicidad que le vendría al país por permitir tocar a una banda de sus características. Del mismo modo, se podría cuestionar el lanzamiento que la CBS le dió al disco en el Reino Unido, en la misma semana que se publicó el famoso álbum de Simon and Garfunkel "Bridge Over Trubled Water", cuya canción central tuvo tales ventas que se suspendió el presaje del Sacrifice para concentrarse en este disco que estava vendiendo mucho. Aparte, se le dió via libre a Black Sabbath para ir a los estados Unidos, ya que saiempre negó que ellos estuvieran involucrados con la magia oculta y el satanismo. Parecía que todo lo que Black Widow estaba tratando de hacer era condenado por doquier. Sin embargo, el álbum sacrificio alcanzó el puesto 32 en las listas británicas y el grupo giró por toda Europa, actuando en el mencionado festival de Wight en 1970.

La historia posterior los alejaría del ocultismo y los temas abordados en este fenomenal álbum, abriéndose paso hacia sonidos mas vendibles en la orilla del rock progresivo, dejando un legado inmortal para hoy que podamos disfrutarlo.

Extracto de "Come to the Sabbat"

Información del disco

Pistas:

1. In Ancient Days
2. Way To Power
3. Come to the Sabbat
4. Conjuration
5. Seduction
6. Attack of the Demon
7. Sacrifice

Banda:

Jim Gannon - Guitarra lider, guitarra española, vibraciones.
Zoot Taylor - Organo, Piano.
Kip Trevor - Flauta, clarinete, saxofón.
Bob Bond - Bajo
Clive Box - Batería y percusión.

Descargar Sacrifice

Escucha el tema "Come to the Sabbat":

JACULA - In Cauda Semper Stat Venenum (1969) y Tardo Pede In Magiam Versus (1972)

A finales de los años 6o y principios de los 70, Italia se convierte el el centro de una explosión de bandas y músicos que apropian corrientes rockeras que venían surgiendo en otras latitudes, especialmente Gran Bretaña, dándole un toque particular y materializando una línea de rock progresivo italiano que, desde ese momento y hasta la fecha, será considerada como una de las más importantes, prolíficas y mejor trabajadas de todo este boom que se esparció por Europa en la primera mitad de los años 70. Así, en medio de un panorama plagado de invención, creación y transformación de la musica popular, bebiendo de fuentes políticas, literarias y artísticas de diversa índole, en plena agitación socio - cultural en Europa y Estados Unidos, es que debemos situar el trabajo de Jacula, orientado por corrientes progresivas en las que experimentó con altas cargas de órgano de iglésia y guitarra, creando ambientes siniestros con claras referencias líricas al ocultismo.

NEUROSIS INC.: Leyenda del Metal Bogotano

2008-09-29T18:24:00.001-07:00

Metal colombiano de la mejor calidad. Con fuerza, energía y composición lírica destacada, esta banda de Thrash - Death metal se fundá en Bogotá en el año 1987, liderada desde entonces por Jorge Mackenzie quien hace las veces de compositor y guitarrista principal, acumulando hasta el momento 8 trabajos discográficos en formato CD y muchos conciertos por toda Colombia, además de una gira suramericana que los llevó a cinco países.

Esta es una pequeña muestra de que el metal en Colombia tiene gente con entera dedicación a su producción y difusión. Y que Bogotá, a la par y tal vez un poco mas tardecito que en Medellín, también ha presentado excelentes ejemplos del metal extremo con discos que se convirtieron en clásicos del rock nacional y que hacen que el recuerdo de la escena metalera de finales de los 80's y los noventas siga presente en las mentes y los corazones de aquellos que nos contagiamos irremediablemente del veneno arrojado por bandas locales como Kilcrops, Acutor, Darkness y por supuesto Neurosis, sembrando la semilla que es ahora recogida por infinidad de bandas que siguen luchando por lo que en otro tiempo era una bandera de pocos, demostrando que el rock y el metal hay que vivirlo a diario, como postura ética, política y filosófica, y no como algo que se consume para mostrarle a los demás que tan oscuro o malo se puede llegar a ser. Por el contrario, y esto es algo en lo que profundizaré después, el rockero debe partir del respeto por los demás y asumir posiciones solidarias que le permitan encontrar caminos alternativos a los que el sistema nos obliga inmesericordemente a sucumbir.

Agradezco igualmente a las personas que se han tomado la molestia de firmar el libro de visitas por sus comentarios alentadores que hacen que tenga que buscarle tiempo a este espacio siempre concebido como una posibilidad de reflexionar en torno a lo que significa ser rockero en una ciudad que cada vez más se caracteriza por el irrespeto al pensamiento que se considera diferente, en un afán de homogenización y control que no puede más que ser reforzado y legitimado por un estado con corte totalitario y represivo, que aspira a una tercera reelección para seguir con la dictadura disfrazada que engaña al país a través de su inmenso poder representado en medios de información amañados y parcializados.

Saludes al viejo Denco que le gusta el metal de nuestra tierrita. Sigan rockeando y esperen en un par de dias un post con los discos de algunas bandas que nos estarán visitando en esta versión de Rock al Parque 2008, esperada por algunos y odiada por otros. Abrazo rockero.

Les dejo algunos discos de Neurosis con la salvedad de que si les gusta por favor corran a comprar el disco original y así seguir manteniento viva la llama del metal nacional.

1991 - Mas Allá de la Demencia

1995 - Verdun 1916

1996 - Karma

1999 - Odas En Concierto

2005 - Subversivos Espirituales

2007 - Masters Of Thrash

URIAH HEEP: Hard Rock del mejor.

2008-09-10T04:00:00.000-07:00

¡¡¡ Aaaaaaaaaaaaaaaahhhhhhhhhhhhhhhh!!! Grito inmortal para sentenciar el nacimiento de una leyenda del rock de todos los tiempos: Uriah Heep. Bebiendo de diferentes géneros y apuestas musicales presentes en su época, la banda supo integrar orgánicamente el crudo sonido del más puro Hard Rock, los teclados incesantes al mando de Ken Hensley que le imprimen el sello característico de bandas como Atomic Rooster o Deep Purple y la potente voz de David Byron, que junto con el talento de Mick Box en las guitarras, fueron capaces de producir un sonido con distinción propia en la gran profusión de generos y estilos que nacieron a finales de los sesentas y se consolidaron en la decada siguiente. Así, además del Hard Rock que predomina como línea transversal de los trabajos de Uriah Heep, podemos encontrar claras influencias de la onda psicodélica que lentamente se extinguía al comenzar los setentas, sumado a la vez con elementos del llamado rock progresivo, incluyendo largas y magistrales ejecuciones en una onda sinfónica como muy pocas bandas de aquellos años supieron hacer.

Esta entrada es pensada para seguidores no sólamente de la vieja guardia pesada a lo Deep Purple o Black Sabbath, sino para aquellos que confían en el camino de la experimentación en el rock. Porque Uriah Heep no es fácilmente definible, como casi cualquier buena banda rockera la única limitación que se imponen es su propio camino de creación, razón por la cual siguen vigentes después de tantos años y acaban de publicar un álbum recién en el 2008. De igual manera, dedico esta entrada a aquellos que han superado la barrera que impone la razón y los prejuicios de grupo que piensan que en la radicalidad está la respuesta para convertir al rock en asunto de unos pocos que tienen el "feeling verdadero" por lo cual hay que guardarlo como un tesoro. Por el contrario, mi convencimiento de que el rock se puede convertir en un camino apropiado para generar mejores seres humanos, me impulsa a propagarlo como un predicador, porque a pesar que desconfío del Dios que juzga y castiga, ser rockero también implica ser un poco religioso, y en la sociedad actual donde se imponen ritmos "musicales" que promueven la ignorancia y el consumismo, cobran más vigencia las palabras que mi hermano me dijo hace pocos dias: "UN ROCKERO MÁS ES UN TOMBO MENOS EN LAS CALLES". Sigan rockeando y agitando sus cabezas, no importa el pelo largo ni el cuero porque recuerden que no somos muñequitas de adorno, el rock se encuentra en las venas y en la cabeza, lo que digan los demás nos importa un culo.

Saludos al viejo Mora que me pidió este post.

Abrazo Rockero. Como siempre, Click en las caratulas para descargar los discos.

1970 - Very 'eavy... Very 'umble

1971 - Salinsbury

1971 - Look At Yourself

1972 - Demons and Wizards

1972 - The Magician's Birthday

1973 - Sweet Freedom

1974 - Wonderworld

ACCEPT: Heavy Metal Inmortal (Discografía Completa)

2008-09-08T05:54:00.000-07:00

Durante muchos años luego de su formación, Accept sufrió constantes cambios en su formación, manteniéndose esencialmente en el nivel amateur, haciendo apariciones esporádicas en festivales. Su carrera profesional comienza en 1976, cuando fueron invitados a tocar en uno de los primeros festivales de rock and roll en Alemania - Rock and Rhein-. Luego del festival, la banda recibió la oferta y entró al estudio profesional por primera vez, a fin de grabar su primer disco autotitulado Accept, un álbum que a pesar de los esfuerzos de la banda no tuvo mucho éxito.

La primera formación estable estaba compuesta por el cantante Udo Dirkschneider, los guitarristas Wolf Hoffmann y Gerhard Wahl, el bajista Peter Baltes y el baterista Frank Friedrich. Friedrich y Wahl dejaron la banda luego de grabar Accept y desde entonces no intentaron continuar con el negocio de la música. fueron reemplazados por Stefan Kaufmann y Jörg Fischer, y con esta formación la banda grabó I'm a Rebel en 1980. este fue el disco que llamó la atención de los medios, por lo que a continuación fueron invitados a su primer show televisivo.

Tres importantes eventos tuvieron lugar en 1981. Pimero, el álbum Breaker fue presentado. Segundo, se firmó un contrato con el manager Gaby Hauke, que duró a lo largo de toda la carrera de la banda. Tercero, Accept se unió a la gira mundial de Judas Priest obteniendo un gran éxito, haciendo que la banda sea reconocida fuera de Europa.

El siguiente álbum - Restless and Wild - fue grabado en 1982, pero sin la presencia de Jörg Fischer, quien dejó la banda un tiempo antes que la grabación se llevase a cabo. Todas las guitarras de este álbum fueron interpretadas por Wolf Hoffmann. Retless and Wild representó una evolución en el sentido de la banda, que incorporaba algunas características del género que más tarde sería conocido como speed metal. Siguió un gran tour, y el guitarrista Jan Koemmet se unió a la banda.

Su próximo trabajo, Balls To The Wall, probaría ser algo diferente de lo que habían venido grabando hasta el momento. El álbum tenía una naturaleza conceptual, e incluyó canciones que hablaban de temas tales como política, sexualidad e iglesia. Las letras de las canciones se acreditaron a cierto "deaffy" quien más tarde se supo era la manager gaby Hauke bajo un seudónimo. Ella compuso las letras de todas las canciones de ese álbum, sin jamás reclamar la autoría de las mismas.

Durante un show en su ciudad natal, en 1983, la banda encontró de casualidad a Jörg Fischer. A insistencia de Hauke, Fischer pasó a formar parte de la banda una vez más. Siguió una gira mundial que terminaría en 1984 en el histórico festival Monsters of Rock. Metal Heart siguió a continuación, en 1985, al que pronto le siguió una grabación en vivo llamada Kaizoku Ban. Russian Roulette continuó la serie de albums grabados por la banda, siendo producidos por el reconocido productor Dieter Dierks y lanzado en 1986.

A medida que pasaba el tiempo, las diferencias comenzaron a aparecer. Peter Baltes, Wolf Hoffmann y Gaby Hauke expresaron un creciente interés en los estados Unidos, y pasaban más tiempo en el exterior que en Alemania, lo que significaba que estaban constantemente alejados de la banda. La distancia entre ellos creció y se decidió que la banda entrara en un receso y que Udo Dirkschneider mientras tanto podría encarar un proyecto en solitario. los otros miembros de la banda trabajaron junto a Udo en la parte técnica de su primer álbum solista, titulado Animal House, presentado bajo el nombre de U.D.O. en Europa y Estados Unidos.

Luego de un período de inactividad, Peter, Wolf y Stefan comenzaron a trabajar una vez más como banda con la ayuda del cantante david Reece; la carrera en solitario de Udo venía muy bien y el guitarrista Jörg Fischer había una vez más dejado Accept. Luego de algunos demos (music), la banda se sintió más segura con la nueva formación y grabó Eat The Heat, el primer álbum de Accept sin Udo.

una gira Europea con el apoyo del guitarrista rítmico Jim Stacey siguió a la presentación del álbum. La gira, de igual modo, se interrumpió sorpresivamente cuando Stefan Kauffmann sufrió una seria lesión en la espalda. Fué reemplazado por el baterista Ken Mary por el resto de la gira. Para el fin de la misma, Hoffman, Baltes y Hauke habían decidido que Reece tenía una personalidad inestable y Kauffmann iba a necesitar un largo tiempo de recuperación. Decidieron que era tiempo de terminar. En 1989, la banda había cesado con todas sus actividades.

Una compilación en vivo titulada Staying A Life fue presentada en 1990 y los fans de todo el mundo reclamaron una reunión. Durante una visita a Alemania, Udo se encontró con los músicos de Accept y, luego de algunas discusiones, decidieron relanzar la formación clásica de la banda.

Objetion Overruled fue grabado en 1993, y la reunión de la banda fue calificada como exitosa en Europa y los Estados Unidos, donde la banda trabajaba con el sello Pavement Records. Le siguió una gira mundial. Otro álbum, titulado Death Row, fue grabado en 1994, pero Kauffmann una vez más se encontraba imposibilitado de tocar en razón de sus recurrentes dolores de espalda. La banda invitó a Stefan Schwarzmann como reemplazo temporal y comenzaron a planificar la próxima gira.

Sin embargo los músicos comenzaron a sentir la sobretensión. Los adolescentes del pueblo de Solingen habían crecido y estaban comenzando a sentir la presión de una vida de constantes giras. Un sentimiento de acabar con todo se sentía en el aire cuando la banda entró a los estudios para grabar Predator en 1995, esta vez con Michael Cartellone ( de Damn Yankees) en la batería.

La gira final de Accept de la decada se hizo en Estados Unidos, Europa y Asia, con su último concierto en Tokio, Japón, una de las capitales mundiales del Heavy Metal. La banda estuvo inactiva por una decada, entonces a principios de 2005 anunciaron una pequeña gira conmemorativa con la formación clásica de Accept. El último concierto se llevó a cabo el 27 de agosto de 2005, en Kavarna, Bulgaria en el festival Monsters of Rock.

Esta es una banda absolutamente imperdible para los amantes del Heavy Metal acelerado y con toques clásicos en los riffs. Hoffmann, uno de los mejores guitarristas del rock y Udo Dirkschnieder con su voz inconfundible, hacen de Accept una absoluta leyenda creada en los años 80 y madurada para que en la actualidad sea uno de los mayores clásicos que debe hacer parte de cualquier fiesta que se digne llamar metalera. Tal vez sin la misma publicidad que tuvo y ha tenido Judas Priest, Accept sin embargo se encuentra a su misma altura en la producción de un puñado de canciones que nos recuerdan porque coño razón nos volvimos rockeros.

DISCOGRAFÍA COMPLETA
CLICK EN CADA CARATULA PARA DESCARGAR

Accept - 1979

I'm A Rebel - 1980

Breaker - 1981

Hungry Years - 1982

Restless And Wild - 1982

Balls To The Wall - 1983

Live In Japan - 1985

Metal Heart - 1985

Russian Roulette - 1986

Eat The Heat - 1989

Objetion Overruled - 1993

Death Row - 1994

1996 - Predator

Tribute To Accept I - 1999

A Tribute To Accept II - 2001

ROCKERO HASTA LA MUERTE + Cinco trabajos de Metal Colombiano

2008-08-30T07:31:00.000-07:00

Yo no soy metalero. Soy rockero. Todo buen metalero necesariamente debe ser rockero. Pero no todo rockero necesariamente escucha (sólamente) metal. Hace algunos dias recibí intensos madrazos por haber subido la discografía de Judas Priest que próximamente estará en concierto en Bogotá. Entre los argumentos que argüían estaban el que no se podía "caspiar" a Judas de esa manera. Que no queríamos que peladitos que escuchan radioactiva fueran a ver a Judas Priest y corear sólamente el "Breaking The Law". Que algunos habían invertido mucha plata en los discos originales para que un hijueputa los subiera gratis a la red y etc., claro, siempre con el madrazo incorporado. Yo realmente no se si estas personas que se hacen llamar rockeras y que tienen las agallas para juzgar al buen y mal metalero alguna vez han reflexionado acerca de como ellos mismos se hicieros rockeros. Porque no creo que hallan nacido así. Es más. La pregunta va un poco más alla y es la siguiente: ¿existen rockeros de verdad y otros de mentiras?. En cuyo caso tendríamos que tener a la mano una lista de los requisitos indispensables para ser considerados buenos rockeros. Y seguirlas al pie de la letra. Pero yo creo que el rock va mucho más allá de lo que social y culturalmente se piensa debe ser. Va en el interior de cada uno. Yo no sé si se tenga una predisposición especial o si por el contrario es un trabajo de interacción con la música y las personas que la escuchan. Pero sean cuales sean las causas o los motivos que nos llevaron a entrar en ese mundo donde la pasión por el rock afectó no sólamente nuestros sentidos sino el total de nuestras vidas, no podemos ubicarnos en una posición en la cual juzguemos a los demás. En mi época, y aún ahora, era común escuchar el término "camisetero" para referirse a aquel adolescente que escuchaba Metallica y Iron Maiden, haciendo referencia muchas veces de forma despectiva a su elección, que no es más o menos válida que la de cualquiera de nosotros.

¿Qué si van pelaos al concierto de Judas Priest? ¿Qué los que van ni siquiera se han tomado la molestia de comprar sus discos? Me importa un trasero. Cuando yo estaba en la adolescencia y tenía mis primeros acercamientos con el rock, mis cuchos me reprochaban diciendo ¡¡¡Bájele a esa chichería!!!, ¡¡¡no se les entiende un carajo!!!, ¡¡¡hasta drogados estarán!!!, y la pregunta infaltable ¿¿¿usted que le ve a eso, porqué escucha esa porquería???. Y sólo después de algunos años encontré una respuesta más o menos razonable. El rock en esencia no tiene que ver con la razón. A uno le gusta o no le gusta. El rock entra por las venas y se apodera del cuerpo. Todavía me meto con la grabadora al baño para poder bañarme confortablemente al son de Black Sabbath o Accept. Desafortunada o afortunadamente nunca he tenido un parche radical de esta o aquella "subcultura" del rock. Mi camino ha sido el de la exploración constante por ese mundo abierto desde que escuchaba día y noche a los Rolling Stones, Beatles y The Doors. No soy metalero, pero me gusta el metal. No soy punketo pero he aprendido a valorar su fuerza y su influencia posterior. No soy skinhead pero valoro las reivindicaiones y alegria del ska. No soy músico pero he sucumbido ante las magnificas obras construidas desde la orilla del rock progresivo. Vivo el rock todos los dias. Vivo como rockero y eso significa que he tratado de entender las diferencias y las similitudes que han acompañado su desarrollo y evolución. Porque el rock, indiferentemente de su línea o particularidad, es una muestra del cambio permanente, transformándose y mutando a la par de los contextos y los estancamientos propios de las épocas. Vivo el rock convencido de la diferencia que como humanos nos caracteriza, pero también convencido de que cada quien elige lo que mejor le parece y no somos ni más ni menos que los demás.

Y como sé que algunos de ustedes no estran a este blog sólamente a leer las pendejadas que escribo, he acompañado esta pequeñita reflexión con cinco trabajitos del metal colombiano de la vieja escuela, con tres bandas de Medellín: Nebiros con el más oscuro Black Metal cuando el género apenas despuntaba en Colombia, Ekhymosis y este demo con dos temas de Death Metal con la voz irreconocible del ahora famosito y uribista (... un insulto) Juan esteban Aristizabal y Parabellum, que fue de las bandas pioneras del metal pesado en nuestro país, portadora de una agresividad que bien los ubica como una de las mejores de Latinoamérica; una de Cali: Inquisitión, que fabricaron un álbum de culto para el Thrash metal colombiano; y la última de la tierra querida de Ibagúe: Exequia, mostrando un Death Metal contundente que no tiene nada que envidiarle a ninguna banda fabricada en Estados Unidos o Europa. Cinco muestras de que el rock se hace con las güevas y no con adelantos tecnológicos.

¡¡¡ROCK AND ROLL HASTA LA PUTA MUERTE!!!

Nebiros - Sacrilegus(EP)

Ekhymosis - Demo

Parabellum - Tempus Mortis

Inquisition - Anxious Death (EP)

Exequia - Beggars Of Souls

SABBAT: El Regreso del Metal más Contundente

2008-08-25T18:29:00.000-07:00

Podría decirse que Sabbath es la banda thrashera más importante producida en el Reino Unido, idea apoyada en su estilo original, debido en gran medida a las vocales venenosas de Martin Walkyier, que escupe fuego en cada interpretación y los ajustados, precisos y a menudo cambiantes riffing. Formada en Nottingham, Inglaterra en 1985, desde el principio se reconoció que en Sabbat había un tipo especial de talento. Desilusionados con el estado en el que se encontraba el Heavy Metal Británico, que desde hacía varios años se había convertido cada vez más comercial y previsible, la banda se esforzó desde el principio por proporcionar a los metal fans música agresiva, con la calidad y la originalidad necesaria para proporcionar un nuevo aliento a la escena metalera mundial.

Demasiado técnica para ser considerada como mero Thrash, demasiado sugerentes para ser etiquetados como Black Metal, Sabbat son sus propios maestros. Su sonido se basa en la ennegresida furia de los primeros Venom y la caótica parafernalia de Mercyful Fate, sumado a los afilados riffing clásicos de Metallica, Slayer y Exodus. En mayo de 1986, el cuarteto grabó su demo "Fragments Of A Faith Forgotten", el cual le valió excelentes comentarios en toda Europa, obteniendo la atención de las grandes revistas, que le ayudaron a expandir su sonido al resto del mundo. Igualmente, la Radio One Session les extiende una invitación para grabar un flexi disc para los "Juegos de Fantasía" de la revista White Dwarf, reforzada con una amplia gira por el Reino Unido que culminó con un contrato de grabación con la Noize Internacional.

Sabbat deslumbra con su frenético álbum debut "History In A Time To Come" a principios de 1988, que fue recibido con aclamación universal por parte de la crítica especializada. No más de dieciocho meses más tarde, éste fue seguido por el monumental "Dreamweaver", un ambicioso proyecto de acoplamiento creativo entre las líricas e interpretación imaginativa de la Novela de Brian Bates "The Way of the Wyrd", dando paso a su conversión en una de las bandas pioneras para la nueva y excitante era del metal inteligente.

Después del Dreamweaver, Walkyier se marcha para formar la famosa banda Skyclad, y Sabbat, con una renovada alineación, graban y editan "Mourning Has Broken" en 1991, pero este álbum carece de casi todo lo que hicieron en los dos primeros trabajos de manera singular y, por tanto, es a menudo una parte olvidada de Sabbat, sin embargo, en este post podrás descargar este trabajo también para que te hagas tu propia idea.

En el 2007 Walkyier, después de haber abandonado Skyclad varios años antes y asentado las diferencias con sus viejos compañeros, anuncia públicamente que la banda se encuentra oficialmente reunificada, si bien el bajista Craske ha decidido no continuar, quedando entonces la clasica formación del espectacular Dreamweaver.

A modo personal, creo que esta banda refleja energía pura. Metal de la mejor calidad para oídos sedientos de rapidez y agresividad. ¡¡¡A rockear se dijo!!!. Este es un tributo a una banda que a mi parecer ha pasado un poco desapercibida en nuestro país y que particularmente considero como una de las mejores de aquellos frenéticos años 80. Disfruten. (En la parte superior derecha podrán escuchar un temita para que se hagan una idea)
Hacer click en las carátulas para iniciar la descarga de los discos.

Demos

History in a Time to Come

Dreamweaver

Mourning Has Broken

DIEZ DISCOS ROCKEROS INDISPENSABLES (Segunda Parte)

2008-08-14T03:56:00.000-07:00

Sexto

Banda: Genesis
Album: Foxtrot
Año: 1972

Ok. Debo amitir que la primera vez que escuche a Genesis no fue de mi total agrado. En realidad arrancar por discos en vivo, a menos que sea un trabajo totalmente excepcional, no es recomendable para oidos novatos, sobre todo cuando se comienza a explorar los sonidos del llamado rock progresivo. Poco después me enteré que, para sorpresa mia, ese genesis que había escuchado en una emisora con temas extralargos y complejos, era el mismo que aparecía en televisión con un Phil Collins haciendo una imitación burlesca de un baile de Michael Jackson. Sin embargo, también estaba equivocado. Porque una cosa es o fue Genesis con Peter Gabriel y otra muy distinta sin él. Y no solo por la hermosa voz y la peculiar impronta que le imprimía a la interpretación de la canciones, sino porque en la "etapa" Gabriel la banda tuvo su punto más alto de creación tanto lírica como musicalmente, en un acoplamiento perfecto de cinco músicos que elevaron el sinfonismo a una cumbre a la cual muy pocos artistas han podido llegar.
En cuanto al disco que he escogido dentro de esta pequeña selección, en la red hay cantidad de críticas que intentan explicarlo y ponerlo en su justo sitio, una obra maestra. Y de hecho yo también creo que este disco no tiene nada que envidiarle al "Selling England" y además contiene (razón fundamental por la que lo escogí) uno de los temas mas complejos y hermosos jamás compuestos en la historia del rock: Supper's Ready, una suite de más de veinte minutos que además de contener tonos pastorales enmarcados en una teatralidad constante, contiene apartes alegres donde voz e instrumentación nos conducen a un climax que se mantendrá constante hasta el final del tema, cuando Gabriel, en medio del mellotron y las guitarras que sobresalen, presente un apoteósico final.
Este es un disco muy compacto, Kokoriko porque no tiene presa mala. Indispensable para cualquier rockero que desee acercarse al trabajo de Genesis y a la buena música en general.

Descarga disco

Séptimo

Banda: Opeth
Album: Morningrise
Año: 1996

Y este si que es Kokoriko. Al compás de un death metal contundente, esta banda sueca nos presenta cinco monumentales temas cuya duración oscila entre los 10 y 20 minutos cada uno, lo que ya nos previene que no estamos frente a un disco "tradicional" de metal. Muy por el contrario, solo Opeth sabe a Opeth, logrando crear un estilo que los diferencia de los demás grupos extremos que dieron inicio desde los 80's al llamado metal progresivo: Watchtower, Atheist, Cynic, Psychotic Waltz, Death, etc. Y es que más allá de la técnica llevada al estremo, Opeth ha sabido conjugar la melancolía del doom, la agresividad del death y la oscuridad del black, con la técnica propia de las bandas progresivas de los años 70's, en un vaivén de sonidos acústicos y explosiones de potencia, con melodias avasalladoras que permiten que la escucha de esta banda sea única.
Como casi siempre, la primera escucha de un disco de esta naturaleza puede costar un poco, máxime si se está aconstumbrado a un death metal sin piedad como Possessed o Sepultura. Pero con algo de tiempo y tras ponerle cuidado a la complejidad de las composiciones, te darás cuenta que estás ante una de las mejores bandas de la actualidad y uno de los discos que lograron marcar la diferencia en una decada en la que ya se ponía difícil encontrar cosas nuevas.
Este es un disco imperdible para cualquier rockero (no sólo metalero), del cual recomiendo sin pensarlo The Night and The Silent Water, que te provocará a mover la cabeza en circulos repetidas veces y a hacer guitarras acústicas "al aire" en momentos de completa complacencia.

Descarga Disco

Octavo

Banda: David Bowie
Album: The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars.
Año:1972

Este es un álbum conceptual publicado por David Bowie en 1972 y fue el disco con que el artista consiguió llegar a las grandes audiencias, siendo considerado como uno de los mejores álbunes de su carrera y el más representativo del glam rock. También ha sido incluído en la mayoría de las listas de los mejores discos de la historia del rock que elabora la prensa especializada y ha influido a numerosos grupos y artistas desde que se publicó.
El álbum narra la ghistoria de Ziggy Stardust, un extraterrestre bisexual de imágen andrógina que se convierte en estrella de rock, con el que Bowie quiso combinar la ciencia ficción y el teatro japonés kabuki. Este personaje fue el primer alter ego que adoptó Bowie en su carrera, al que posteriormente seguirían otros como Aladdin Sane o el Duque Blanco. El disco comienza con Ziggy revelando a los habitantes de la tierra que sólo quedan cinco años para que su planeta desaparezca, tras lo que decide convertirse en un "mesías rock" para salvarlo de la destrucción. Finalmente termina por abandonar sus objetivos, siendo víctima de su propio éxito. (Tomado de Wikipedia).
Personalmente, disfruto mucho escuchando este álbum. Porque a pesar que no viví la época, me sabe a setentas. Es un disco para caminar por la ciudad, entre los edificios y los carros, riéndo maliciosamente porque a pesar que el mundo a veces sabe a mierda, Ziggy hace que eso importe poco. Además, con un poco de esfuerzo por aprenderse la canciones, podrá ser una muy buena elección para una noche de farra junto a Lou Reed, Nick Cave y Tom Waits.
Como el nombre del álbum es tan largo, es probable que tengan que descomprimirlo en c:/.

Video de Starman
Descarga disco

Noveno

Banda: Anglagard
Album: Hybris
Año: 1992

¿Rock sinfónico progresivo en los noventas? Pues si. Y del mejor. La herencia de King Crimson, Camel, Yes y tantos otros es correctamente asumida por esta banda sueca que, junto Landberk y Anekdoten, rescatan con creces los sonidos setenteros en un álbum que, en mi humilde opinión, está en el tope de los mejores discos de la decada, lleno de fuerza, excelentes cambios de pasajes calmos a otros llenos de furia, y estructuras melódicas complejas, todo ejecutado de una forma magistral donde sobresalen los teclados a cargo de Thomas Johnson, que llevan la manija en la mayor parte del trabajo, la batería de Mattias Olsson en un trabajo impecable, y la flauta, tan deliciosamente interpretada en el tema que a mi personalmente más me gusta: Kung Boré, pieza magnifica que puedo escuchar dos, tres y cuatro veces seguidas, donde se alcanza un nivel de perfección en la interpretación de los instrumentos que reafirma lo estraordinario que es este disco, poniéndolo a la altura del Close to the Edge o el Selling Englad by the Pound. Por otro lado, es difícil describir la cantidad de sensaciones que se tienen al escuchar este disco, ya que en ocasiones los sonidos acústicos nos presentan tonos pastorales que hacen brotar pequeñas sonrisitas de satisfación ante la delicadeza transmitida, pero en otras construye atmosferas totalmente siniestras, con ejecuciones cargadas de furia que nos hacen fruncir el ceño y hasta sacudir la cabeza un poco.
Este es un disco imprescincible. Totalmente imperdible. Recomendado a más no poder.

Descarga disco

Décimo

Banda: Rush
Album: Hemispheres
Año: 1978

Los Arboles

Hay inquietud en el bosque
hay un problema con los arboles
los Arces quieren más luz solar
y los Robles ignoran sus súplicas

El problema con los Arces
(y están convencidos de su derecho)
ellos dicen que los Robles son demasiado altos
y acaparan toda la luz
pero los Robles no les compadecen
si les gusta de la manera que están hechos
y se preguntan por que los Arces
no pueden ser felices en su sombra?

Hay un problema en el bosque
y todas las criaturas han huído
mientras los Arces gritan "Opresión!"
y los Robles, solo agitan sus cabezas

Así los Arces formaron una Union
y pidieron igualdad de derechos
"los Robles son demasiado codiciosos
les haremos que nos den la luz"
ahora ya no hay más opresión de los Robles
aprobaron una ley noble
y los arboles se mantuvieron en la igualdad
por el hacha,
destral,
y la sierra...

Sexto álbum en estudio de esta banda canadiense que ha trasegado por muchos estilos que van desde el hard rock propio de sus primeros discos, la etapa más progresiva expresada magistralmente en este Hemispheres, su paso por el mundo de los sintetizadores y teclados en los años 80's, para volver nuevamente en los noventas a un sonido primigenio de guitarra, bajo y batería.
En cuanto a este hemispheres, muy pocas cosas nuevas se pueden decir. Neil Peart haciendo un trabajo en la batería como muy pocas veces se ha visto, reforzando su lugar como uno de los mejores (sino el mejor) baterista de la historia del rock. Temas complejos pero accesibles inspirados en historias de ciencia ficción y temas sociales como" The Trees", cuya letra encabeza este comentario y que se ha convertido en todo un himno para los seguidores de la mejor banda que Canada ha producido.

Descarga disco

DIEZ DISCOS ROCKEROS INDISPENSABLES (Primera Parte)

2008-08-11T03:58:00.000-07:00

Hello my friends. Ustedes se preguntarán porqué si este blog se llama Rock y Educación, sólamente me he referido a cuestiones relacionadas con el rock. Bueno. Hay que tener paciencia ya que en pocos dias comenzaré a postear algunas reflexiones que desde la vida cotitiana como rockero, me dan la posibilidad de indagar acerca del trabajo en el campo educativo. Sin embargo, por el momento he querido hacer algo que para cualquier rockero melómano es una cuestión bastante difícil, dada la cantidad y buena calidad de lo publicado en más de 50 años, escogiendo una pequeña lista de discos que desde mi humilde opinión ningún rockero debería perderse, ya sea por la complejidad de su construcción musical, sus líricas, su interpretación y acoplación casi perfecta o simplemente por su fuerza y energía. El criterio de selección no es otro más que la pasión y la buena onda que estos discos me han dado. Haciendo que me enamore cada vez más del Rock en sus difrentes géneros y subgéneros, agradeciendo infinitamente a aquellas personas y emisoras radiales que me contagiaron por primera vez hace muchos años, y que directa o indirectamente hicieron que mi vida se ligara inexorablemente a su historia, evolución y desarrollo, permitiendome apreciar su vinculación clave a los cambios culturales contemporáneos, donde más allá de lo que los artistas quieren plasmar con su trabajo, encontramos un rock nacido, criado y madurado para confrontar los parámetros de lo establecido. Así, estos son discos que de alguna manera se apartan de lo común, permitiendo materializar la constante búsqueda de aquellos que no se contentaron con lo dado.

Primero

Banda: Necronomicón
Album: Tips Zum Selbstmord
Año: 1972

Este es un disco con dos matices. Por un lado, es una obra con una carga psicodélica innegable, ligada a los sonidos mas oscuros producidos dentro de la escena Krautrock alemana, a la vez mezclada con un sonido fuerte y pesado que rememora a un Deep Purple más sombrío y sucio, intensificado con unas líricas interpretadas en alemán que le terminan de imprimir un carácter sinistro a las guitarras y organos presentes en la mayor parte del album, logrando ubicarlo como una de la joyas más buscadas por los coleccionistas del rock progresivo pesado, alcanzando sumas poco ortodoxas para un trabajo de rock. A este último aspecto Juvenal Aragón comenta: "El trabajo obtuvo status mítico y antes de su reedición se cotizó en el mercado de coleccionistas cerca de los 2000 dólares, pero ¿en realidad un disco vale tanto?, en este caso la respuesta es sí, el álbum se caracteriza por vocales dramáticos con estupendos solos de guitarra distorsionada con ritmos muy rockeros, el bajo y batería en su alegría se contraponen con los solos de órgano y guitarra en un ambiente muy genuino. A veces el sonido es estridente solo para que momentos después se tranquilice con acordes más melódicos, sin embargo la dureza de su rock el punto mas presente a lo largo de la obra."
Yo recomiendo escuchar los discos con alto volúmen acompañado por una cerveza fría... especialmente éste.

Descargar disco

Segundo

Banda: Flower Travellin' Band
Album: Satori
Año: 1971

Musica tribal. En un comienzo sentirás que Black Sabbath es la principal influencia de esta banda y de este trabajo. Que lo que se te está presentando es un Hard Rock en su más cruda expresión. Pero el Satori va mucho más allá. Riffs de guitarras afilados, pesados y estridentes te harán comprender, sumado a uno de los gritos más contundentes de la historia del rock, que estás ante algo que es dificil masticar. Apretarás los puños y comenzarás a moverlos de arriba hacia abajo sin poder detenerte. Porque este disco en su primer corte puede resumirse en una palabra que jamás le quedará corta: PODER!!!. Inevitablemente comenzarás a mover la cabeza arriba - abajo, como se aconstumbra ante un tema metálico, que indudablemente este disco habrá influenciado muchos. Lo que sigue a continuación es un viaje por un camino de experimentación entre sonidos cercanos al Krautrock, la psicodelia mas oscura y los riffs contundentes del más puro Hard Rock. Si a Necronomicon hay que escucharlo a alto volúmen, el Satori de Flower Travellin Band lo necesita para que surja su efecto alucinante y primitivo, que te hará pensar que estos cuatro japóneses se volaron de la prehistoria para martillar tu cerebro. La banda se forma en el año 1967 bajo el nombre de Yuya Uchida & The Flowers, dedicada principalmente a realizar cover de bandas gringas y británicas, presentadas en los albums "Challenge" y "Anywhare", siendo este último en el que presentan soberbias versiones de The House of the Rising Sun y Black Sabbath, siendo el Satori la consolidación final de sus composiciones propias y a la postre el album mítico de la banda, absolutamente indispensable para los amantes del rock progresivo pesado.. y super pasado. Indispensable.

Desgarga este maldito disco

Tercero

Banda: Museo Rosenbach
Album: Zarathustra
Año: 1973

Sobre este disco no puedo decir absolutamente nada. Solo que es una obra maestra. Pieza hermosa y mítica la la decada dorada del rock progresivo italiano. Mejor que hablen otros:
Museo Rosenbach es el nombre de un grupo de rock progresivo italiano que surgió en los albores de los años 1970, y cuyo álbum Zarathustra es considerado una obra maestra, un álbum de culto, no obstante en su momento éste tuvo escasa repercusión.La primera alineación del grupo abarca de los años 1971 a 1973, cuando graban el mencionado álbum. Oficialmente, Zarathustra es su único trabajo discográfico, si bien con posterioridad, y ya desaparecida la banda, aparecerían varios otros discos, algunos en vivo, con una calidad de sonido muy pobre, y de interés sólo para fans del género o del grupo; tales grabaciones no aportarían ya ningún mérito al trabajo en estudio del grupo, y su interés podría estar más bien del lado de la historia musical comparada del rock, si algún día aparece alguien dispuesto a crear tal disciplina, alejada del fetichismo típico del rock.

Zarathustra es el único disco que en los hechos grabó este grupo. Se trata de una portentosa suite con influencias del jazz, jazz-rock, rock progresivo, y música sinfónica, con múltiples matices, cambios de ritmo, y asombrosas progresiones musicales, interpretado con maestría y virtuosismo incomparable, haciendo de cada instrumento en los hechos auténticos solistas, a la manera de una suite concertante.

Para juzgar este disco hay que considerar el hecho de que se trata en los hechos no de una musicalización de poemas de Nietzsche, sino de una auténtica lectura del Zarathustra nietzscheano, es decir, de una interpretación libre pero rigurosa del texto filosófico, hecha de manera sistemática, acompañada de una música poderosa, llena de melodías autoritativas, que como el texto filosófico, no solicita el permiso del escucha para presentar su mensaje. A eso hay que agregar la poderosa y autoritativa voz de Stefano Galifi, que junto con un acompañamiento instrumental poderosísimo le da al conjunto un sello distintivo único, que ha hecho que el sonido del disco se mantenga actual, incluso habiendo pasado el nuevo milenio. Tomado de Wikipedia.

Descarga el disco

Cuarto

Banda: Artillery
Album: Deadly relics
Año: 1998 (demos)

¡¡¡Time has come!!!. La hora ha llegado. Si en Estados Unidos Slayer, Metallica y Metal Church hacían de las suyas dando inicio al thrash metal más agresivo y violento jamás visto, en Dinamarca nacía y se consolidaba una banda que sería pionera en exponer el género en Europa: Artillery. La banda se formó en 1982 en Taastrup, un suburbio de Copenhague. Sus miembros eran: Jürgen Sandau y Michael Stützer en guitarra, Morten Stützer en bajo, Carsten Nielsen en batería y Carsten Lohmann el cantante. El grupo grabó los demos Shellshock y Deeds of darkness en 1984. Carsten Lohmann abandona la banda en 1985 y es sustituido por Flemming Rönsdorf. El mismo año ARTILLERY graba su tercer demo: “Fear of tomorrow” para Neat Records y lanza su primer álbum, también titulado Fear of tomorrow. Su segundo trabajo: “Terror Squad” fue lanzado en 1987. Ambos discos son considerados clásicos de culto en el género del thrash metal, a pesar que no gozaron en su tiempo de una buena distribución por parte de Neat Records alrededor del mundo. El guitarrista Júrgen Sandoau deja la banda en 1989,así es que el bajista Morten Stützer asume su posición y le deja el bajo a la nueva incorporación: Peter Thorslund. Su tercer álbum: “By Inheritance”, fue lanzado en 1990 para Roadrunner Records. Artillery se disolvió en 1991, algunos de sus miembros siguieron con proyectos musicales durante el resto de los 90. Tras la edición en 1998 de una compilación titulada: “Deadly Relics” por el sello Mighty Music, ofreciendo unas mezclas de viejos demos más dos canciones de una cinta promocional de 1989, la banda se reúne para crear su cuarto álbum: “B.A.C.K.” que fue lanzado en 1999 por Diehard Music.

Descargar disco

Quinto

Banda: Beggars Opera
Album: Act One
Año: 1971

Al mirar la caratula del primer disco de la banda escocesa Beggars Opera, y escucharlo, a uno se le viene a la cabeza que estos manes están completamente deschavetados. El acto numero uno es un disco de incansable rock, lleno de fuerza y virtuosismo que revela el ingrediente particular que lo hace grande: el trasfondo de arreglos complejos de los compositores clásicos. Así es, a un ritmo a veces calmo y a veces endemoniado, pero bien ejecutado, desfilan composiciones de Mozart, Liszt y Franz Von Suppé, en una hibridación rockero progresiva que muy bien serviría para animar a un baile desenfrenado con movimientos que harían recordar los mejores momentos de las fiestas psicodélicas, como de banda sonora sonora para un carro a toda mierda que anda en busca de acción.
Concretando, este es un excelente album para los fanáticos del rock plagado de teclados y buena energía, que por momentos hará recordar a ELP, Deep Purple y The Nice, con una originalidad que demuestra la personalidad de la banda a pesar del transfondo clásico de los temas y que hacen de este uno de mis discos favoritos. En cuanto a temas recomendados yo me inclino por tres: Passacaglia, Light Cavarly y el Bonus Track Think, incluído en la edición CD que estoy presentando aquí.

Descarga disco

Cuando y donde el rock se convierte en arte.

2007-06-08T14:26:00.000-07:00

Reproducimos aquí el articulo escrito por Rubén Araiza que nos introduce en las nociones básicas del rock progresivo como manifestación del arte.

El compromiso escénico del creador para presionar sus límites es creíble, si y solo sí, es capaz de crear lo simbólico en lo real. De allí se desprende su ansiedad por extraer del concepto a desarrollar, los elementos necesarios para que su obra venga a proponer un reto que contagie al espectador al primer contacto y, le provoque la curiosidad e incertidumbre para adentrarse en su obra. De otra forma el artista encontrará el rechazo y el desapruebo de un trabajo por falta de sustento.
Crear no es suficiente, si se crea obra para mostrar al artista en sí, más bien se debe crear, la pasión, el amor y la angustia en sí. De otra forma Wagner está equivocado.
La disciplina debe rebasar a la habilidad, pues son unos los que nacen con el don y otros los que tiene que desarrollarlo. Buscar, documentarse y medirse es parte esencial de un artista para evolucionar y depurar su encubierto estilo. Enfrentar el cambio es lo más válido. Investigar y sustentar la obra para poder romper con lo establecido, es una tarea que conlleva a la originalidad de otra manera no hay razón de ser. Artistas hay tantos como libros sin hojearse.
El buen artista afecta nuestras emociones con la calidad de sus ideas, no con la cantidad de notas o el equipo que utiliza al servicio de éstas. También sabe que su renuencia a convertirse en artista complaciente quedará relegada ante la perspectiva de los grandes éxitos. Si el artista despierta lo que duerme en nosotros y nos crea la necesidad, nos tiene atrapados.
Algunos se han servido del progresivo para ser pop - stars, el ejemplo más vil se llama Phill Collins. Otros evolucionan a paso lento, ciclándose en su propio eje. Solo pocos conservan su esencia, y al final triunfan. Pero esta carrera es de paciencia, perseverancia, búsqueda, ambición y fidelidad. El rock arte a diferencia del rock básico provocó al audiófilo, con una infinidad de variantes musicales nunca antes escuchadas, una vez que la sicodélia dejó de retorcer las cuerdas, y dio paso a la búsqueda de nuevas combinaciones sonoras, con una enorme complicidad de instrumentos utilizados en la música clásica, que se fusionan con los elementos básicos de un grupo de rock, buscando esquemas musicales más ambiciosos, que dan un claro avance en los marcos musicales en una forma evolutiva total. Así es como podríamos describir en primer instancia el rock progresivo.
Hablar de los primeros indicios del rock arte nos llevaría a la sicodélia o a la música electrónica primitiva, que con brotes esporádicos desde mediados de los sesenta empezaron a aparecer en un plano fuera del comercialismo, encontrando eco entre los que no están dispuestos a ser envueltos por las modas.
El rock arte está mas apegado a las nuevas músicas que al mismo rock, sirviéndose de la ópera, el folklore, el teatro, la escultura, la poesía, la pintura, los cantos gregorianos, pero donde tiene su mayor, y más elegante auge, es en la música clásica. Por su parte el rock progresivo es un híbrido de jazz, blues y música clásica.
Si aceptamos esto, como el origen del rock progresivo entonces recordaremos que se enmarcó una total innovación musical, pero no estoy de acuerdo que todos los grupos diferentes, al blues o jazz eran progresivos solo por utilizar teclados electrónicos. Rock progresivo es más conceptual y se apropia de un cau- dal de ideas y exploraciones de caminos ilimitados. El rock convertido en arte posee mayor alcances que el progresivo y no necesariamente debe sonar a rock, aunque en cierto momento se pueden fusionar en uno solo, es fácil confundirse. Se han adherido con el firme propósito de postrarse con multiformas, nuevos temas y representaciones, sacudiendo nuestra insensibilidad.
Los nuevos instrumentos como el sintetizador Moog, el Mellotron, novedosos dispositivos electrónicos, y gran variedad de percusiones se funden para lograr combinaciones nunca antes mostradas. El órgano Hammond participa de manera permanente, no solo en los grupos de rock progresivo, también es adoptado por los grupos de rock convencional.
La manera continua y gradual irrumpe con lo planteado hasta el momento, el uso de letras en forma de poemas, denuncia, protesta y fantasía le dan un mayor realce, ahora son complementos fundamentales para la conjugación de ambos.
De la psicodélia al progresivo solo hay un paso y este fue dado por los músicos de mediados de los años sesenta. Esa conjunción fue amoldada de manera que los traslapes de los periodos no parece notarse, debiéndose en gran parte a que muchas bandas iniciaron el cambio dentro de la misma obra musical, brincando del progresivo al rock arte. Hay tres grupos que siempre abrieron sus brazos al cambio, pero nunca se desprendieron de sus ideales; King Crimson, los italianos P.F.M. y Pink Floyd.
La sicodélia muere y no alcanza a ver sus frutos en los setenta. Pero una camada de jóvenes talentosos venía tomando cada vez más fuerza, y no estamos hablando de Woodstock, ni de los festivales de Monterey, sino de una cantera de músicos provenientes de la Europa occidental, quienes en lugar seguir los pasos de los Beatles se dedicaron a preparse por considerar que la música de los 4 fantásticos era sin trascendencia para el arte. De hecho los Beatles no ejercieron influencia en el rock, para cuando ellos intentaron hacer rock serio, ya se había iniciado el despegue. En 1717 George Fredrick Handel ofreció un extravagante viaje por el río apoyado por 50 músicos, marcando un clara separación en la música clásica: su obra Water Music. El cambio hacia una filosofía futurista iniciada en italia, y el Bauhaus teutón en la arquitectura influyó para que apenas iniciado el siglo XX Luigi Russolo propusiera la sustitución de los instrumentos tradicionales por artefactos para hacer ruido. Escribió su notación y ofreció conciertos donde lo aceptaban. Estas nuevas herramientas hicieron fracasar a los compositores clásicos e hizo que el músico revolucionario se agasajara. En 1920 el sacerdote Shoenbereg patentó las atonalidades con El serialismo de 12 notas las cuales se oponian a lo armonioso. Provocando el rechazo de los convecionalistas, no así de los aventurados. Este nuevo sonido evocaba al expresionismo en la pintura y desató la libertad artística. En 1933 el sistema nazi condenaba esta expresión por considerarla anti-arte y decadente. En 1950 Karl Stockhaussen escribe partituras para música electrónica y graba en acetato sus primeras cinco obras antes de 1960.
John Cage ya había iniciado sesiones para innovadores como Robert Rauschenberg y sus amigos desde los 50’s. Los compositores contemporáneos, ya libres de límites preestablecidos liberan su creatividad y rápidamente hacen impacto en nueva audiencia, influenciando a los compositores de las subsecuentes décadas.
Como puede el espectador determinar si la obra es auténtica y no esta siendo presa de un gambito artístico. Para empezar toda composición debe contener una estética armoniosa y debe sustentar la repetibilidad de sus señales, para que el escucha pueda ver su libre ejecución por muy amorfo que sea el sinuoso camino de tal composición. Debe contener también los origenes de ejecución para que sean propensos a equiparar su nivel creador. Una procesualidad ilimitada que fortifique el producto final libre de discrepancias y deméritos. No debe ocultar su origen y sí mostrar su aspecto innovador. Una proyección escénica compaginada con brotes de originalidad. Y una ejecucion de secuencia medible y entendible. Todo esto no debe agrandar al artista más de lo que es. En la progresión se incrementa la creación.
Afirmo que grupos como Magma, Can y Tangenine Dream por citar solo algunos no tocaban rock progresivo. Su música no tenía los elementos descritos para ser considerada como rock progresivo, y si debieron ser enmarcados en el contexto de las nuevas músicas. Este fenómeno se volvió a presentar en los años ochenta con la naciente moda de new age, pues resultó que todo era nueva era. Por Dios!.
Rock progresivo es la referencia para ubicarnos únicamente como una propuesta musical diferente a lo realizado en los años sesenta y la era post-psicodélica. Es un parteaguas en el rock mismo.
Por más de tres décadas, el arte se ha manifestado en el rock a través de un abundante manantial de obras provenientes de diversas corrientes musicales, dentro de las cuales podemos demostrar que, en el rock se ha dado brillo a gran cantidad de obras musicales de los grandes compositores de los siglos pasados, y así mismo se han creado obras nuevas, que retomando la escuela en la que fueron instruidos, devuelven a su Alma Matter su tributo, muchas de las cuales se han constituído en verdaderas gemas musicales.
En el rock arte podemos encontrar fuertes manifestaciones de surrealismo; The Residents en su obra Eskimo, el esoterismo lo utiliza el grupo francés Arachnoid y el ensamble italiano de Devil Doll en Eliogabalus, las atonalidades es una area de oportunidad para el desarrollo de desquiciante imaginación de Franco Battiato, a la experimentación le dio luz Tangerine Dream en sus primeros trabajos, el hiperrealismo lo manifiesta Art Zoyd en su obra Le Mariage du Ciel et de L’enfer aparte de engrandecer la obra Nosferatu.
La parodia es el objetivo número uno del maestro Frank Zappa, pero el humor nadie lo hace mejor que el grupo holandés Supersister, la crítica a una monarquía la manifiestó Pink Floyd en la popular obra The Wall. La contracultura se encuentra en el rock en oposición con los franceses Etron Fou Lelublan, los mexicanos Decibel, los italianos Stormy Six y Henry Cow de Inglaterra, El neoclasisimo nos lo mostró Electric Light Orchestra en su primer album, Julverne en Le Retour du Captain Nemo y Conventum en A l’affut d’un Complot. La música del cuerpo la evidenciaron Ron Geesin y Roger Waters.
El futurísmo lo evocan los brasileños de Blezqi Zatsas en The Rise and Fall of Passional Sanit y los húngaros Solaris quienes en 1983 grabaron la conceptual obra Crónicas Marcianas del escritor de ciencia ficción Ray Bradbury, logrando vender mas de 38,000 copias en Hungría. Si consideramos la población de ese país equivaldría a un millón de copias si se hubiera realizado en Los Estados Unidos. A pocos meses de entrar a un nuevo milenio estos mismos músicos nos sorprenden con su descomunal obra Nostradamus: Book of the Prophecies consistiendo un fuerte debate entre los cantos gregorianos, el Moog, la flauta y angustiosos lamentos. Constituyéndose en el mejor album de 1999.
Drama y teatro fue escenificado por los ingleses Genesis con Peter Gabriel, los franceses Ange y Monalisa. Sus pasos los siguieron Marillion, los suizos Deyss y los italianos Asgard entre muchos. Un tributo al sagrado libro La Biblia, lo hizo Vox Dei en un proyecto de músicos argentinos y brasileños.
La elegancia del baile es expuesto por Esperanto en Last Tango, el finlandés Pekka Pohjola en Urban Tango y recientemente los franceses Sotos lo colocan en otro contexto con su epónimo album. Obras de singular belleza en la música del mediterráneo la apreciamos en Ecce Rock de Mediterrania, el flamenco lo exhibieron los españoles Medina Azahara su epónimo album, Carmen en Fandangos in Space y Triana en el Patio. Los cantos gregorianos fusionados al rock los encontramos en la obra Carmina Burana, adaptada por Ray Manzarek, el rock catalán llevado a otro plano lo dicta Companyia Electrica Dharma.
Obras de descomunal belleza, tocando los límites de lo sinfónico realizadas por Banco en Di Terra, el genial compositor Luis Enriquez Bacalov apoya a grupos como Ossana en L’uomo, New Trolls en concerto Grosso I& II y la obra Contaminazione de Il Rovescio della Medaglia constituida en una gema de incalculable valor, pero superior a esta, tenemos la joya musical que nos legara Quella Vecchia Loccanda en Il Tempo della Gioia.
El filósofo Friedrich Wilhem Nietzsche, inspira a los italianos Museo Rosenbach a escribir una de las obras más importantes de todos los tiempos, con la teoría del superhombre en Zaratustra y los suecos Tribute contribuyeron al rock arte con Terra Incógnita. Tal vez sea la obra más importante de la década de los ochenta.
El folklore se vistió con su traje de gala con obras como Barock de los alemanes Parzival, Klossa Knippnitate de los suecos Samla Mammas Manna. Las rapsodias es el fuerte de los alemanes Pell Mell y tenemos evidencia de la música prehispánica con el grupo mexicano Nuevo México en su disco Hecho en Casa. Focus retoma la música barroca y nos hechiza con las palabras Hocus Pokus.
La belleza de los valses, es estilizada por el sueco Bo Hansson, Le Orme aparta su fina voz y ejecuta una obra instrumental basada en cuerdas y charango con su disco Florian, la soprano Sally Oldfield toca todos los instrumentos en Water Bearer, Brian Eno envía un reto más fuerte aun, con su música ambiental, involucra al escucha para complementar la obra; su título: Discrete Music.
La mejor retribuida es la música clásica donde quedaron plasmadas obras como lo realizado por el grupo inglés Renaissance con Scheherezade, Deep Purple y los alemanes Eloy en Dawn se apoyaron en una orquesta, Its A Beatiful Day adopta el violín como instrumento líder, los escoceses Beggars Opera hacen arreglos para que las obras como Poeta y Campesino y Caballería Ligera no formen parte de una élite, Camel inmortaliza The Snowgoose, Los españoles Canarios y los ingleses Curved Air con el virtuoso violinista Daryl Way nos sensibilizan con las 4 estaciones del maestro Antonio Vivaldi.
El grupo norteamericano Fire Ballet lleva a otro contexto la obra Night on the Bald Mountain, esto mismo lo hizo New Trolls y ultimamente Par Lindh Project. El gran Emerson nos recrea el oído, con la obra Pictures at an Exhibition de Mussorgsky, Rick Van del Linden del grupo holandés Trace, nos refresca el espíritu de J. S. BACH en Bourré y Opus 1065. King Crimson aporta su propia música clásica en Prelude: Song of the Gulls. J.R.R.Tolkiens es tal vez, el autor más aplaudido debido a que gran cantidad de sus personajes han sido adoptados para nombres de grupos de rock progresivo y títulos de obras: Iluvatar, Asgard, Bilbo, Hobbit, Gandalf, Galadriel, Rivendell, etc.
Si desde finales de los años sesenta, se han desarrollado una incontable cantidad de obras, y en la actualidad la imaginación que se desató continúa abriendo la brecha hacia la gran veta de la imaginación, entonces porque en nuestro país sigue pensando en el rock, como un término genérico asociado a los peores adjetivos, cuando en otros países, inclusive latinos el músico de rock aparte de ser visto como músico serio, es respetado.

¿Porqúe rock y educación?

2007-05-05T04:49:00.000-07:00

“Un día estaba en clases escuchando lo de siempre,
ahí también sentí que eso me aburrió,
me veía programado y súper controlado,
y ahora mírame que feliz estoy,
no tengo plata ni religión,
pero tengo el rock & roll”

Este párrafo pertenece a la canción de Arkangel Ni Plata Ni Religión, publicada en el álbum Represión Latinoamericana en el 83’, y que evidencia la ya tradicional separación entre las corrientes rockeras y las instituciones con que la sociedad se organiza y a la vez reprime las ideas que no se encuentran dentro de ella. Estado, iglesia y escuela se convierten en el blanco de la rabia que se expresa en guitarras estridentes y líricas que abordan temáticas como el desempleo, la represión, la falsa moral y la hipocresía de una sociedad enferma en el afán por consumir los mandatos de los jefes del norte y que no se auto cuestiona lo que genera que las identidades se refundan en el vacío de los centros comerciales.
La escuela particularmente es la encargada de repetir las “verdades” que desde el exterior se imponen como únicas, cercenando de entrada cualquier posibilidad de construir ambientes donde pasión, imaginación, inteligencia y creatividad ayuden a pensar críticamente el desarrollo actual de nuestras comunidades, y permitiendo que en vez de cambiar mentes, formemos dementes que asesinan a sus compañeros, apuñalean a sus profesores y derrochan toda la energía juvenil en la búsqueda mediocre del paraíso de las marcas.
Rock y Educación compenetrados en los mismos propósitos: evidenciar la falacia sobre la que se erigen las acciones de la sociedad actual y la búsqueda de nuevos caminos con base en el reconocimiento del otro como hermano.
Soy profesor y esta es mi lucha… y mis dos grandes pasiones.
Un abrazo rockero.